La belleza de la incertidumbre. Preguntas a Teresa

©Teresa Correa

"No desvíes la mirada. Fíjala. Se trata de ti mismo.
Esta forma que nos lleva: lenguaje, palabras, apenas
es tan fugitiva como los sentimientos que, en silencio,
nos abandonan. Todo cambia. Porque la vida no está
libre de sus formas. Y el instante que escapa despreocupa
su interrogación en el vacío"

José Jiménez

Hace varios meses José Juan Torres llegó tímidamente a tu estudio con una propuesta expositiva, recibiste un sobre lacrado en tus manos, sin mediar más palabras. Dentro, cuatro preguntas absurdas, locas, sin sentido. ¿Cuál fue tu primera impresión ante este nuevo reto expositivo?

La verdad es que estaba deseando que J.J. se marchara para abrir el dichoso sobre, (risas). Me entraron ganas de vomitar cuando leí las "preguntitas" porque cuando pude recobrar la cordura, estaba ante preguntas que son las que yo me llevo haciendo desde hace cierto tiempo, claro está, muy lejos de la altura del lenguaje del gran Neruda, sin embargo, todo me resonaba pero no sabía como abordarlo, la invitación de José Juan fue como un detonante para mí, vino en el preciso momento y no en otro, cada vez mas me reafirmo en las no casualidades; lo que si tenía claro era que serían retratos, el cómo y con quién vino después.

Tu respuesta a los interrogantes de Neruda, trasciende de una simple interpretación literal, te elevas de los límites objetivos de la misma para regalarnos una respuesta subjetiva, íntima y personal, ofreciéndonos un magistral autorretrato -en tres actos-. La mirada de tu hijo en tu mirada, ¿por qué Manuel, uno de tus tres hijos para dar respuesta a esta propuesta poética visual?

Cuando vi claro que eran tres fotopreguntas sobre el hilo del tiempo pensé que era interesante trabajar con alguien para el que el tiempo es presente continuo, la adolescencia es el momento en el que el ser humano se cree inmortal y capaz de todo, ese es mi hijo Manuel y la experiencia de trabajar juntos con Neruda ha sido muy buena para los dos.

Existe una constante en toda tu obra por el devenir del tiempo, series como Lugares cambiantes, Historias sin tiempo o Sin título dialogan con nosotros intrínsecamente en un constante anhelo de permanencia en todo lo que fluye y cambia. Itinerarios transitorios que congelas a través de la imagen, haciéndolos eternos. El enigma impenetrable de la existencia humana que nace para morir y que tan lúdicamente nos enseña Neruda en su Libro de las preguntas. La muerte es una constante en este poemario póstumo, al igual que se hace evidente en muchas de tus obras de diferentes maneras: paisajes efímeros, huesos humanos, cráneos que te acompañan y con los que dialogas en una especie de guiño shakesperiano. Una muerte que espera, al acecho, presente antes de que la sintieras acercarse. ¿Hasta que punto utilizas la fotografía para dar respuesta a los interrogantes universales de nuestra efímera existencia?

Siempre la utilizo con este propósito, yo me considero antropofotógrafa. Creo que desde el principio de todo, glaciación tras calentamiento, nos venimos haciendo las mismas preguntas, lo que cambia es la manera de representarlas, a mi particularmente me atraen muchísimo las primeras representaciones por su frescura, simplicidad, originalidad, por lo que parte de mi trabajo lo hago en Museos y el ponerme en la senda de esta búsqueda personal se lo debo a mi experiencia de trabajo con el Museo Canario y con las personas que allí trabajan,o más bien trabajaban, por carecer de las ayudas necesarias de las instituciones pertinentes para seguir adelante con la labor que realiza un Museo de la importancia mundial como nuestro Museo Canario , a mi no me cabe en la cabeza, de verdad, que esté pasando esto con El Museo Canario.

Presentas los ciclos vitales de tu existencia a través de un posible viaje iniciático adolescente, marcas simbólicas de las etapas de una vida, huellas pasadas y futuras. Estableces un ritual ceremonial donde nos haces conscientes del carácter perecedero y transitorio de todo lo sensible, un baile sincero, a través de la vida; la nostalgia de la infancia, el síndrome del nido vacío, la muerte, son destapadas sin dramatismo. Imágenes construidas desde la sencillez de las cosas, con un planteamiento filosófico más cercano a las culturas orientales que a la nuestra. Un avión hecho de papel que nos recuerda a los origami, un nido vacío, que trasluce la visión del wabi-sabi y su cercanía a la simplicidad y a la naturaleza, ¿Existe realmente algún acercamiento a las cosas y al mundo de las culturas orientales en esta serie que presentas en Con permiso de lo absurdo, una esencia empírica y espiritual que va más allá del racionamiento lógico occidental?

Me lleno de ideas a través de la literatura, soy de las que se leen varios libros a la vez y voy pasando por épocas diferentes, hace un año y medio me diagnosticaron un cáncer, en ese momento tan duro para mí me agarré a las filosofías orientales, a los poetas sufí como Rumi ,Ibin Al´Arabí, a los místicos españoles, a María Zambrano ,a José Ángel Valente,y han sido de gran ayuda para mi cabeza y mi corazón y claro, todo esto, mas la experiencia de estar en el otro lado de la vida y cuestionarte muchas cosas, seguro que ha salido todo "pá fuera".

Estás recién llegada de Seoul Photo, una de las ferias más importantes de fotografía de Asia. Curiosamente el país invitado es España y como única galería española la Galería Saro León, de Las Palmas de Gran Canaria, ¿Cuál se tu impresión como artista participante en esta feria del influyente papel que está adquiriendo la fotografía dentro del arte en este nuevo siglo? ¿Qué respuesta percibiste por parte de los coleccionistas o galeristas asiáticos ante la fotografía española? ¿Sus interrogantes ante la obra trascienden de la misma o simplemente se quedan en la superficialidad del mercado? ¿Perciben la obra a través del artista o les es indiferente?

Gracias al entusiasmo, la energía y la profesionalidad de Saro León todo ha sido mucho más fácil, pues ha supuesto un gran esfuerzo estar allí; la feria es la única feria de fotografía exclusivamente, que hay en todo el continente asiático, el nivel muy alto, allí el todo vale no funciona para nada, se mira con lupa la factura de la fotografía, importa lo que cuentas pero también el como lo cuentas y en Asia les gusta que lo cuentes bien porque ellos prestan mucha atención al pequeño detalle, en cuanto a lo que cuentan tus fotos, si se enteran que eres el autor o autora de las fotos quieren saberlo todo acerca de ti, de la foto a tus pensamientos más personales sobre todo lo imaginable y más allá, éramos los raritos de la feria porque todas las galerías eran japonesas, chinas y coreanas, entonces se acercaban con mucha curiosidad por lo exóticos que resultábamos y claro esta, llevamos un stand muy potente,los coleccionistas son bastante conservadores y nos contaron que necesitan ver el trabajo de un fotógrafo durante un tiempo antes de decidirse a comprar, nos pareció alucinante pero nos llegaron a contar que necesitan al menos tres años para decidirse a comprar.
La Fotografía esta viviendo su época dorada, no solo me refiero a la que se cuelga en los museos o galerías sino también al uso mayoritario que se hace de ella en todos los ámbitos de la vida, desde el uso domestico-familiar hasta el scanner más sofisticado con fines ciéntificos y medicos y que siga, aunque deberíamos de prestar más atención a los niños y a su relación como consumidores o receptores de imágenes, consumimos mucha imagen pero poco nos enseñan de todo lo que hay detrás.

¿Para cuándo esas birras?

El viernes en la inauguración de la exposición de Santi González en la Galería Saro León,¿qué te parece?

He registrado con mis cámaras

un pequeño mundo en pausa que posee,

toda la belleza de la incertidumbre

de lo que habría podido ser,

de lo que aún no es,

y de lo que, quizá un día, tenga lugar”.

Teresa Correa

"Picoteo" y conversaciones con Saro Acosta

©Tato Gonçalves

En un principio se le entrega a cada autor un sobre lacrado cuyo contenido son una serie de preguntas, sin ninguna “pista” a seguir. Preguntas que muchas veces rayan el absurdo y la incomprensión. ¿Cuál fue tu primera impresión ante esta forma tan lúdica de presentar la propuesta expositiva por parte de los comisarios?

Sinceramente, que están como maracas, (risas) Por otro lado, el picoteo y el vino “buenísimos”, amén de la compañía de los coleguillas.

La exposición en la que participas se denomina “Con permiso de lo absurdo”, ¿te has permitido el absurdo dentro de tu concepción de la obra?

Mirando la obra y cogiendo una de las definiciones de “absurdo” ¡¡¡chocante, contradictorio!!! Diría que si. Cuando vi la imagen y antes de realizarla, recuerdo que comenté, esto no puede ser, esto no puede ser verdad en pleno siglo XXI y menos en la capital y la ubicación del lugar, era chocante y contradictorio.


La relación entre texto e imagen a lo largo de la historia, ha sido una relación de amor-odio, idolatría y textolatría han luchado por mantener su poder ¿Cómo te has sentido formando parte de este binomio?

No entro en luchas y menos en aquellas que no entiendo. Por decir, no sé lo que significa la palabra "textolatría" y podría buscarla y leer qué significado tiene, pero bajo este contexto que nos trae, no me interesa. Yo me siento bien, cuando las historias se hacen con ilusión y buena armonía, tampoco es la primera vez que participo con escritores y fotógrafos en el mismo escenario. La Colectiva “La Otra Ciudad”, fue hecha así.

“El libro de las preguntas” de Pablo Neruda es la excusa para realizar esta exposición, es una obra póstuma que no llegó a publicarse. ¿Qué respuesta crees que tendría Neruda si pudiera contemplar tu metáfora visual ante la o las preguntas seleccionadas?

Pues ………………, no lo sé la verdad. Pero me encantaría saberlo.

El espectador que contempla tu obra realizada para esta muestra ¿recibe una respuesta o se le abren aún más interrogantes?

Posiblemente, no se quede conforme con lo que ve, seguro que seguirá preguntando, es lo que yo hago.

Esta producción artística la has concebido desde lo íntimo, lo personal, podríamos defender la idea planteada por Louise Burgeois que nos habla del arte como actividad terapeútica, ¿has sentido en algún momento de la producción de la serie este carácter terapéutico, de indagación personal?

Esta imagen ya la tenía en mi cajón desastre hacía ya algunos meses y cuando me ofrecieron participar en este proyecto y abrí ese sobre lacrado que nos dieron (que fue varios días después), supe enseguida que tenía la imagen que iba a acompañar a la pregunta de Neruda que más me gusto de las cuatro.

¿Cómo definirías el papel actual de la fotografía en el mundo del arte?

Poco entiendo de esto, pero creo que con la llegada de la era digital, la fotografía ha crecido muchísimo.

¿Cuáles son los fotógrafos o artistas que más han influido en tu producción artística?

Ansel Adams: por mi gran afición al BN y la parte química de la fotografía. Siempre me gusto muchísimo el laboratorio y disfrutaba haciendo copias a altas horas de la madrugada. Creo que en este proceso, me sentía como pez en el agua, no puedo decir lo mismo del tratamiento digital que hay que darle a la imagen, soy bastante torpe.
Richard Avedon: me gustan mucho sus retratos.
Salgado, Isabel Muñoz, Alberto García Alix, etc. etc.

INAUGURACIÓN "CON PERMISO DE LO ABSURDO"

©Alby Martín Placeres

Monique Hoffman. "donde las palabras faltan"

Monique Hoffman

El comienzo de la propuesta expositiva se produce con la abertura de un sobre lacrado, donde se encuentran una serie de preguntas pertenecientes a un poemario póstumo, El libro de las preguntas de Pablo Neruda,¿cuál fue tu primera impresión ante la lectura de unas preguntas muchas de ellas, incomprensibles e irracionales?

El sobre lacrado fue para mi un comienzo de una aventura, un viaje con un destino desconocido.... Cuando abrí el sobre y leí las preguntas, mi primera impresión fue que algunas frases eran muy poéticas y otras no tenían ningún sentido. Decidí elegir la que tenía una lectura más poética.

El interrogante que has elegido para la realización de tu etérea instalación fotográfica ha sido Por qué los árboles esconden el esplendor de sus raíces? si no recuerdo mal, tus series anteriores tienen una constante conexión con la naturaleza, Vestidos de sueños, por ejemplo, nos trasladaba a un mundo de ensoñación, poético donde intervienes en la naturaleza de forma sutil, misteriosa, creas una atmósfera envolvente. A través de los vestidos nos hablabas de un mundo de pérdida, de ausencias donde la calidez y suavidad de la luz nos evocaba estados de ensoñación.
En esta nueva serie Las raices de mi ser, sigues necesitando de lo sublime de la naturaleza, tus orígenes de la antigua Indonesia cuando ésta era una colonia holandesa es representada por imágenes de vegetación exótica y salvaje, al igual que las orquídeas en el alféizar de la ventana ¿Qué sentido tiene la naturaleza dentro de toda tu producción artística?

La naturaleza tiene un importante rôle en mi fotografía. No solamente funciona como un fondo, contra la historia que se desarrolla, sino que también forma parte de la historia ,está integrada en ella y es una parte fundamental de lo que quiero trasmitir. El sujeto o el tema de mi obra tienen que unificarse con ella.
Lo que me fascina de la naturaleza, es su pureza, fuerza y belleza. Un simple árbol, hoja o paisaje se convierten en una fuente de inspiración tremenda para mí, con una gran carga poética que intento trasmitir en mis fotografías.


Nos hablas en esta nueva serie de una realidad más cruda, más directa, donde la ensoñación se ha apartado, pero aún así sigues manteniendo una fragilidad inerte, como una herida que aún no ha cicatrizado y que está escondida como las raices del interrogante. Una especie de diario personal donde el grado de introspección es constante. Nos hablas de ausencias, de muerte, soledad, indagas en la complejidad del alma herida, tus orígenes, la muerte reciente de tu madre, el desamor,¿hasta que punto necesitas de la expresión artística para cicatrizar metafóricamente el dolor de la ausencia?

Pues, este proyecto realmente en un diario personal por la pérdida de mi madre y la ruptura de mi matrimonio acaecido durante la realización del mismo. Fue en una manera muy espontánea en ese sentido usé la cámara para expresar mis sentimientos en aquel momento y también para capturar las imágenes en mi imaginación, en mi mente dónde las palabras faltan.


La luz es vital en esta serie, una luz espiritual que irrumpe en la imagen como un resplandor evocando las pinturas renacentistas. Nos hablas a través de ella de la presencia dentro de la ausencia, al igual que los retratistas decimonónicos intentas capturar nostálgicamente el “alma” del difunto en el interior de sus espacios. Seres queridos que ya no están y solo mediante la presencia de la luz nos son devueltos. Incluso en esta serie las imágenes son proyectadas, inexistentes realmente, dando mayor sensación de evanescencia. Imágenes etéreas donde el alma tiene movimiento. ¿Hasta que punto es importante la luz en esta serie?

Desde el principio quería usar luz natural, la luz suave de la mañana. Para mi siempre es un desafío intentar pintar con luz natural mis imágenes como en mi anterior proyecto “Vestidos de de sueños” En la serie “Las raíces de mi ser”, la luz representa algo distinto, es una luz espiritual, como si ella diera vida a un espacio vacío, a los objetos y muebles muertos dentro este espacio. Aunque las protagonistas estuvieran ausente la luz los hace presentes, casi tangible y además algo de su calidez/cariñoso esta capturado en la luz de la mañana.

Presentas por primera vez una instalación fotográfica, las imágenes son proyectadas sobre papel de arroz, nuevamente un guiño a tus orígenes, una poética visual en movimiento, una vuelta a tu pasado más inmediato, tus raices han salido a la luz. Tras ver la obra finalizada, ¿eres consciente realmente del esplendor que trasmites en ella?

Si, especialmente las fotos del hogar de mi madre y la foto sobre la ausencia de mi amor son para mis reflexiones de mis sentimientos, de mi dolor de aquel momento. Una visualización de un diario personal, sin máscaras, pura... Eso es lo que intentaba trasmitir en mi obra. Lo dejaré al espectador, si ellos lo consideraran como un esplendor de mis raíces.

La Liebre y la tortuga o You Snooze, You Lose.

Porqué tan lentas en invierno
y tan palpitantes después?

Pablo Neruda

La fábula de Esopo inspiró este encargo, ya que junto a la pregunta que elegí se dan ciertas coincidencias afortunadas. El interrogante de Neruda me llevó a la búsqueda de qué podía ser eso, ese algo tan lento en un momento pero tan palpitante después. Si era lo mismo o eran cosas diferentes. ¿Qué podía ser lento, pero a la vez ir con prisa? Al final me quedé con la fábula en sí, y me pude desprender más fácilmente de tener que contestar a la pregunta del poeta.

Las fábulas, como los cuentos, son nuestro primer acercamiento a la literatura, a la narración y también a la magia. Nos acompañan desde bien pequeños en el crecimiento hacia la edad adulta, a la madurez.
Los cuentos, las fábulas que pudieran parecernos simples tienen en realidad una doble lectura, poseen interpretaciones múltiples y en estas interpretaciones se va perdiendo el poder de la magia porque dejan de ser cuentos para niños, el niño que entienda la doble lectura de estas fábulas podría perder el sueño.
De entrada, en una fábula como la de La Liebre y La Tortuga nada nos parece extraño. Personajes que son animales, se visten como personas, hablan entre ellos, practican jogging o comen queso. Pero detrás de ese paisaje mágico las situaciones son las mismas que vivimos siempre: miedo, injusticias, amor/desamor, afán de superación… Los animales de esta fábula hablan de nosotros y de nuestros problemas.
Mediante la fotografía se van descifrando las similitudes y diferencias que existen entre lo real y lo imaginado, y se va construyendo un mundo simbólico que pretendemos no se nos aparezca tan terrible como el real. No se trata de ilustrar simplemente la fábula con imágenes, no la reinventamos y la volvemos a contar con imágenes nuevas, si no que la adaptamos a un público no infantil y bastante más acostumbrado a las imágenes simbólicas para poder replantear la situación en una especie de juego.
Es una obra a partir de la fábula, no una versión más de la misma. Se cuenta otra historia, ligada (o no) a la fábula original, usando la historia para adentrarnos en otras historias, con una perspectiva más actual.

La fábula en estas fotografías se prolonga en otros paisajes que el espectador al contemplarlos siente que algo se le remueve en la retina, porque los siente mágicos y tenebrosos a la vez, paisajes donde la infancia parece eternas, los peligros infinitos y las soluciones no se ven tan claras. Ahí la felicidad también parece eterna, tanto que parece más bien una amenaza.

(...) Il s’amuse à toute autre chose
Qu’à la gageure. À la fin quand il vit

que l’autre touchait presque au bout de la carrière

Il partit comme un trait ; mais les élans qu’il fit

Furent vains : la tortue arriva la première.

Dácil Granados.
Madrid, 2010

Dialogando con Santi González

©Santi González

En un principio se le entrega a cada autor un sobre lacrado cuyo contenido son una serie de preguntas, sin ninguna “pista” a seguir. Preguntas que muchas veces rayan el absurdo y la incomprensión. ¿Cuál fue tu primera impresión ante esta forma tan lúdica de presentar la propuesta expositiva por parte de los comisarios?

Estaba ante el planteamiento de un reto. Interpretar en imagen un texto dado, suponía un grado importante de responsabilidad. El juego se había iniciado y valía la pena asumir el riesgo de tan interesante idea.

La exposición en la que participas se denomina “Con permiso de lo absurdo”, ¿te has permitido el absurdo dentro de tu concepción de la obra?

Para empezar a formar una idea tuve que partir de lo absurdo, las preguntas si no lo eran se acercaban mucho. A partir de ahí pude llegar a concretar el fundamento que tendría la imagen con respecto al texto.

La relación entre texto e imagen a lo largo de la historia, ha sido una relación de amor-odio, idolatría y textolatría han luchado por mantener su poder ¿Cómo te has sentido formando parte de este binomio?

En un principio con rechazo, porque habían dos posibilidades de intervenir: pasar por encima o zambullirme en el texto. Opté por la segunda, haciendo que la palabra formara parte de mi y haciendo una interpretación desde la reflexión.

“El libro de las preguntas” de Pablo Neruda es la excusa para realizar esta exposición, es una obra póstuma que Neruda no vio publicada. ¿Qué respuesta crees que tendría Neruda si pudiera contemplar tu metáfora visual ante la o las preguntas seleccionadas?

Seguramente se sorprendería y pensaría que nada tiene que ver con lo que a él se le pasó, en ese momento, por la cabeza a la hora de escribir. Pero, una cosa está clara, le encantaría ver, al igual que nos pasa a nosotros con la imagen, que cada espectador puede hacer una interpretación personal de una obra según su propia percepción y sensibilidad.

El espectador que contempla tu obra realizada para esta muestra ¿recibe una respuesta o se le abren aún más interrogantes?

Dependerá, en todo caso, de las experiencias vividas por el espectador. La respuesta o confirmación se recibirá si existe un interrogante. En este caso se produce una reflexión, que permanecerá almacenada en el espectador para servir de respuesta, cuando en su momento lo requiera.


Esta producción artística la has concebido desde lo íntimo, lo personal, podríamos defender la idea planteada por Louise Burgeois que nos habla del arte como actividad terapeútica, ¿has sentido en algún momento de la producción de la serie este carácter terapéutico, de indagación personal?

La producción artística, de algún modo, siempre es terapéutica. Este trabajo me ha llevado a la reflexión de dos conceptos muy amplios, como son la eternidad y la inocencia. En ese proceso, he llegado a la conclusión de que en su esencia son similares.

¿Cómo definirías el papel actual de la fotografía en el mundo del arte?

La fotografía está cobrando, cada vez más, una notable importancia dentro del mundo del arte. Está aportando, acompañada de la videocreación y los nuevos medios, frescura, innovación y calidad a los estándares de arte preestablecidos.

¿Cuáles son los fotógrafos o artistas que más han influido en tu producción artística?

La influencia que recibo, día a día, no puedo sectorizarla ya que limitaría mi evolución creativa. Me podría definir como un catalizador de vivencias, aunque no podría extraerme de las sensaciones al observar la obra de Francesca Woodman, al leer a Vilém Flusser, visitar el Museo del Prado, escuchar a Milton Nascimento en directo, conversar con los amigos de lo terrenal y lo divino, y, como no, disfrutar de la familia como el motor que me permite crear.

Bombilla de 60, más que luz

La locura de unos pocos refleja el deseo de muchos. Hace un año, cansados de limitaciones, llenos de sueños y ansias culturales, esos locos gestaron Bombilla de 60. Ahora, tras un año de trabajo y devaneos burocráticos dan a luz.

En su primera acción, apoyando la exposición “Con permiso de lo absurdo”, Bombilla de 60 apuesta por un una propuesta de carácter interdisciplinar. En este caso la literatura de Pablo Neruda y el arte visual dan el pie del guión. El desarrollo se produce cuando tú te acercas a ellos. A partir de la exposición fotográfica, la Asociación ha preparado una serie de talleres para un público multicultural e intergeneracional, la manera que han encontrado para hacer que el ciudadano forme parte del creativo-social.

Las tres fases en que se divide la acción didáctica son “Sin cartela”, un taller dirigido a jóvenes; “No todos los folios son rectangulares y blancos”, orientado a niños; y “Construyendo desde lo absurdo”, enfocado a los adultos.

En los grupos de trabajo buscarán, según el departamento pedagógico de Bombilla de 60, “que los jóvenes se planteen la necesidad de que la obra se acompañe de una cartela que informe y/o limite su entendimiento” para luego retitular las obras de la exposición. Además, los nuevos títulos serán interpretados por los más pequeños. “Será en esta actividad donde apreciaremos la verdadera libertad creativa, ya que en el periodo infantil existe una menor “contaminación” que permite el absurdo de manera natural”, destacan desde la Asociación. Y, en el tercer taller, se invitará a los adultos a la creación de una pieza literaria desde lo absurdo, partiendo de los resultados de los talleres de las jóvenes generaciones.

Bombilla de 60 se presenta como una puerta abierta al desarrollo creativo social. Es una asociación de profesionales con el interés común de la cultura y la educación, que conforman la base de sus proyectos. Sus máximas: crear, compartir y formar. Su deseo: conseguir un espacio, una base de operaciones, que sirva de laboratorio para las disciplinas artísticas y sociales.

Un espacio en el que TODOS caben.

Por el momento su sitio es cualquier espacio público que se preste al desarrollo de actividades. Puedes seguirles en twitter: @bombillade60 y en su blog: bombillade60.blogspot.com

Departamento de Comunicación de Bombilla de 60

Siete artistas visuales nos desconciertan a través de su particular poética visual

El interrogante se manifiesta anticipadamente en forma de imagen en movimiento invitándonos a ser partícipes del desamor de la primavera, Santi González se plantea el engaño como si de una lluvia de inocencia se tratara. La adolescencia viene de la mano de Teresa Correa; el juego de la infancia perdida, el nido vacío, la muerte que constantemente nos acecha, un viaje iniciático que nos baila a través de sus imágenes. El sentimiento de pérdida y ausencia es insinuado sutilmente en las imágenes traslúcidas proyectadas en papel de arroz de Monique Hoffman, acercándonos metafóricamente a sus desconocidos orígenes. El infinito se reinventa una y otra vez en lugares anónimos, vacíos, donde Saro Acosta sugiere la presencia humana dentro de la ausencia. Alfonso Elvira, entre tanto nos seduce a través de las palabras, texto e imagen comparten un mismo espacio, enfrentados y aniquilados de mano de la naturaleza. Naturaleza que a su vez se hace presente en la fábula de Esopo que redescubre Dácil Granados, llevándonos mágica y oníricamente a su particular mundo de ensueño; ensombrecido tan sólo, por la presencia de ese lado oscuro y siniestro que nos deja Marcos Cabrera, un autorretrato hiriente donde la introspección nos conmueve, haciéndonos partícipes del interrogante del absurdo de la existencia humana.

Dísticos eneasilabos

¿Dónde está el niño que fui,
sigue adentro de mí o se fue?

Pablo Neruda. Libro de las preguntas. 1974

El 23 de septiembre de 1973 muere Pablo Neruda. Tan sólo dos semanas
después del golpe militar que acabaría con la democracia en Chile. En Abril de 1974
se publica “El libro de las preguntas” uno de los múltiples libros póstumos del poeta.
El tema predominante en este conjunto de libros es la muerte, pero, en palabras
de Osvaldo Rodríguez, “el tratamiento de la muerte en la poesía póstuma de
Neruda es, elíptico, figurado, encubierto simbólica y metafóricamente como expresión
del enigma impenetrable de la existencia humana que nace para morir.”
En “el libro de las preguntas” Neruda nos sorprende con cuestiones heterogéneas,
un poemario compuesto por dísticos eneasilabos con orientación autorreflexiva,
donde la importancia de la respuesta se disuelve en la interrogante del absurdo de la
existencia humana, que se proyecta al infinito.
El conjunto de chistes, paradojas, greguerías, adivinanzas y reflexiones en apariencia
intrascedentes, tejen una rica red de imágenes que nos sirven como fuente de inspiración
estética.
Tras la selección de una serie de preguntas del libro y a modo de juego
condicional, se le ofrece a los autores la participación en el proyecto. Cada autor y
de forma azarosa recibe un sobre en el que se encuentran del orden de cuatro a seis
dísticos de los contenidos en el poemario. Los autores realizaran un proyecto visual
inspirados en una de las preguntas recibidas.